Pour apprivoiser ou redécouvrir le pouvoir du noir et blanc de la meilleure manière, poussons-le donc  dans ses retranchements en associant rendu monochrome et contraste extrême ! Je vous invite à essayer de « voir en noir et blanc » et de  penser en noir et blanc » afin de saisir des vues contrastées dès la prise de vue … avant de les affiner à la retouche.

Chercher le contraste, au déclenchement, consiste à faire se détacher des éléments clairs sur des éléments sombres, et vice versa. Il s’agit donc d’appréhender les contrastes dans votre environnement afin d’essayer de mettre en contact des sujets de densité tranchée.

Contraste lumineux. Posez-vous les questions suivantes : bénéficiez-vous d’un éclairage contrasté qui crée un écart entre des zones très lumineuses et des ombres bouchées ? Quelles zones de l’espace se trouvent dans l’ombre ? Quels sujets baignent dans la lumière ? En termes de noir et blanc, avoir cette réflexion vous permet d’anticiper le contraste de l’image. La stratégie consiste alors à superposer sujets éclairés et éléments dans l’ombre afin qu’ils se détachent l’un sur l’autre dans la photo.

Ce contre-jour fait apparaître les mouettes en vol dans la lumière sur fond dans l’ombre pour un contraste naturel optimal La balustrade, elle aussi, prend idéalement la lumière : le clash des densités renforce ma composition diagonale.

Contraste « de nuance ». Le Caractère clair ou sombre d’un sujet [chien blanc ou chien noir) est intéressant à repérer également surtout si, pour le coup, l’éclairage n’est pas contrasté [ciel couvert. par exemple). Les éléments colorés ont. eux aussi, une densité intrinsèque à prendre en compte, un sujet jaune apparaissant plus clair, en noir et blanc, qu’un sujet bleu ! Là encore, c’est en rapprochant des sujets dont les densités s’opposent que vous créerez le meilleur contraste.

Contraste gigogne. Appliquez ce principe des sujets qui contrastent ensemble à plusieurs niveaux dans l’image. La photo de la roue de voiture, suit ce modèle. Elle montre des « petits ronds noirs » se détachant sur un enjoliveur clair, lui-même cerné d’un pneu très dense. La carrosserie claire de la voiture habille le tout !

Comment procéder ? Pour parvenir à vos fins, choisissez les bons sujets mais, surtout, cherchez l’angle de vue adapté ! Déplacez-vous dans l’espace et penchez-vous de manière à faire coulisser les éléments entre eux, jusqu’à ce que votre sujet se détache sur un fond contrastant comme nous l’avons évoqué. Déclencher au bon moment constitue également la clé d’un bon contraste, pour certaines images ! Votre passant porte des vêtements sombres ? Repérez le moment où il se détachera sur un mur clair ! En manteau blanc, au contraire, vous le saisirez devant une façade ou une porte sombre …

Sans artifice. Nous cherchons donc à créer des images qui fonctionnent naturellement en noir et blanc, sans nécessiter de conversion monochrome poussée. N’hésitez pas à régler votre appareil directement en monochrome, si c’est possible (en visée à l’écran) : cela vous aidera, évidemment, à percevoir les contrastes et à trouver les bons cadrages. Sinon, à la retouche, une simple désaturation ( déplacement du curseur saturation à l’extrême gauche de la réglette) convient parfaitement pour une photo vraiment composée pour le noir et blanc

Optimisation du contraste. Pensez, en revanche, à bien contraster votre photo, selon Ia méthode présentée dans le cadre du Focus, ce défi annonce « contraste intense » ainsi ne soyez pas timide, poussez vos propres limites ! N’hésitez pas à tester différents rendus pour votre image, avec des contrastes variés. Sur l’un d’entre eux, restreignez les densités jusqu’à n’avoir presque plus que du blanc et du noir !
Si la composition est bien pensée en noir et blanc, forcer les noirs et les blancs ne vous conduira pas vers une photo illisible mais vous permettra, au contraire, d’augmenter considérablement l’impact de votre image !
Dosez également le réglage de luminosité selon le rendu souhaité et la densité du sujet. Ainsi, si le sujet principal est plutôt sombre, augmenter la luminosité pour éclaircir le fond (tout en noircissant bien le sujet) donnera souvent le meilleur résultat (voir photo d’illustration ci-contre). Pour un sujet plutôt clair [fleur dans la lumière, chien blanc, ou encore les raquettes de la page 56, etc.), diminuer la luminosité sera généralement un meilleur choix !
En bref, clair sur sombre et sombre sur clair à la prise de vue, contraste assumé à la retouche, et le tour est joué ! Étonnez-vous !

C’est en me déplaçant dans l’espace jusqu’à trouver l’angle de vue souhaité que j’ai réalisé cette composition graphique amusante, en noir et blanc Une augmentation franche de la luminosité m’a permis d’éclaircir nettement le sol afin que les structures métalliques sombres tranchent encore davantage.

En couleur comme en noir et blanc, là phase de retouche est un passage obligé pour « une photo qui pète» ! Il suffit souvent de pas grand chose pour faire toute la différence. En bref, d’une accentuation du contraste !

C’est quoi, au fait, le contraste ?

Le contraste mesure toujours un écart En photographie, il s’agit de l’écart entre les éléments les plus clairs et les plus sombres de l’image. En monochrome. par exemple. si les nuances vont du gris moyen au gris foncé (faible écart entre les 2 tonalités), le contraste est faible. Au contraire , si les densités s’étalent du blanc au noir. l’ écart est maximal et le contraste très fort !

Le contraste de nos images dépend essentiellement de la lumière ambiante (ainsi que, pour une petite part, du rendu généré par notre appareil]. Par un jour maussade de novembre. le contraste est plutôt faible. Un jour de plein soleil et en contre-jour. le contraste est au contraire maximal ! Mais, pour résumer à part dans cette dernière condition, nos images manquent 99 % du temps de contraste. Heureusement que ce défaut peut se corriger en quelques secondes à Ia retouche !

Du noir au blanc

Pour un contraste optimal, il faut d’abord que votre photo comporte des zones blanches ou presque blanches. Pour le vérifier, copiez-collez-là sur fond blanc et comparez les zones supposées blanches de l’image au fond de page. Si elles semblent franchement grises, il faut agir ! Modulez également les zones plus sombres, bien sûr, afin d’équilibrer le rendu et faire en sorte que la photo aille bien « du noir au blanc». Nous allons voir ensemble comment faire cela, en pratique Notez que l’ordre des manipulations n’a pas d’importance, c’est le résultat qui compte !

Comment contraster une photo ?

Cette manipulation peut se faire dans de nombreux logiciels, qu’ils soient gratuits ou Payants, notamment

via les curseurs « Exposition », « Luminosité », etc Lightroom, RawThempee, Darktable, Capture One, Pic

Monke4, choisissez celui qui vous met le plus à l’aise ! Photoshop et Gimp peuvent être utilisé  également mais ils fonctionnent avec un autre type de réglage, « les Niveaux ».

Ci-contre, je vous propose une méthode mettant en jeu des curseurs ne contrôlant qu’un paramètre à la fois. Je vous déconseille, en revanche, le curseur Contraste. Tantôt il éclaircira trop sans noircir assez, tantôt le contraire ! De plus, sur certains logiciels, il affecte de manière inappropriée la Saturation …

Doser l’exposition

Le curseur« Exposition » permet de moduler les blancs. De la même manière que sur l’appareil, augmenter l’exposition permet à la fois d’éclaircir la photo et de blanchir ces fameuses zones grisouilles disgracieuses ! Pour bien effectuer ce réglage, le plus efficace consiste parfois à décaler franchement le curseur jusqu’à « cramer » l’image puis à revenir en arrière jusqu’à retrouver du détail dans les zones claires, dont le rendu est devenu « plus blanc que blanc » !

Forcer les noirs

Afin de faire le « grand écart » côté contraste, veillez à associer à vos tonalités immaculées du noir bien noir. Cherchez le curseur qui noircit la photo jusqu’à la rendre charbonneuse ; il s’appelle généralement « Noir(s) ». Ne l’actionnez pas timidement, allez y franco !

Si vous avez la possibilité de comparer votre version retouchée à l’original, vous verrez que cette double manipulation [augmenter l’exposition + forcer les noirs] donne l’impression que l’on enlève un voile gris de l’image … Observez aussi les couleurs si la photo n’est pas en noir et blanc Ne sont-elles pas déjà plus vives ?

Moduler la << luminosité >>

Nous venons de « contraster les extrêmes » [le blanc et le noir). Une dernière étape peut vous permettre d’affiner votre retouche.

À l’aide d’un curseur souvent appelé « Luminosité » [mais aussi du curseur « Ombres », sous Lightroom), vous pouvez décider de densifier ou d’éclaircir les tonalités intermédiaires, celles qui ne sont ni très claires ni très foncées. Si la Courbe est présente dans votre logiciel, saisissez-la par le milieu puis tirez-la vers le haut ou vers le bas pour faire varier, de manière plus franche, la luminosité ! Attention, une augmentation de la luminosité demande parfois que l’on noircisse à nouveau l’image afin que celle-ci ne devienne pas trop fade … Alternez l’utilisation des 3 curseurs jusqu’à trouver le meilleur rendu !

Eh bien, non, la photo brute (A) ne présente pas de blanc. Comparez la densité du marquage du blanc de la page et vous constaterez que celui-ci est gris ! Je surexpose franchement l’image (augmentation de l’exposition) jusqu’à ce que les zones supposées blanches se confondent presque avec la page La photo semble cependant laiteuse et voilée (B)..

Forcer les noirs me permet d’obtenir le contraste voulu, avec des zones denses en regard des zones claires Le graphisme de la photo (C) apparait enfin (quadrillage, mini-cercles, lacets)..

Optionnel. En dosant la Luminosité, je peux choisir la densité des tons moyens, (le gris du bitume] Je décide ici de diminuer la Luminosité, pour une version encore plus dramatique (D)

Redécouvrir un sujet.

Place d’un défi tout simple en apparence, mais qui cache bien son jeu !
Il s’agit de proposer une vue rapprochée du sujet, l’approche intimiste correspondante pouvant découler de votre distance du sujet comme de l’utilisation d’une longue focale. L’idée clé, ici, correspond au terme « redécouvrir » !  Qu’allez-vous apprendre de nouveau sur le sujet à la personne qui verra votre image ? Qu’allez-vous mettre en valeur que nous n’avions pas encore vraiment remarqué ? Comment votre gros plan va-t-il donner une nouvelle vie a ce sujet, nous permettre, soudain, de le considérer d’un œil neuf ? Essayez d’avoir d’ores et déjà en tête quelques stratégies et astuces pour parvenir à vos fin.

Pistes de réflexion. Alors, comment réinventer un sujet ? Cela va-t-il se faire grâce à un cadrage ciblé sur un détail en particulier ? À la mise en Valeur d’une texture ? À une manière de composer votre photo qui apporte une nouvelle perspective ? À un grossissement tellement important qu’il nous permet de voir ce que l’on ne voit pas d’habitude ? Au fait d’isoler un sujet que l’on montre toujours en contexte ? Allez-vous le montrer sous une certaine lumière, ou selon un cadrage bien choisi ? Que d’interrogations et d’options à considérer !

Le but n’est pas ici de chercher à créer le mystère mais, du contraire, de sublimer notre sujet, en gros plan. Ce n’est toutefois pas seulement le grossissement qui compte (je parle plutôt ici d’isoler un élément particulier) mais la manière dont vous présentez le sujet de façon originale. Essayez de raconter quelque chose de nouveau !

Astuce. Pour trouver une approche inédite, il est souvent intéressant d’oublier le sujet quelques minutes du profit de ses caractéristiques visuelles. Adopter une démarche un peu abstraite constitue une très bonne manière de « désapprendre » pour redécouvrir … Ci-contre, j’essaie ainsi de vous faire considérer autrement une boîte aux lettres, un verre d’eau, une feuille morte sur un passage piéton et un champignon, à travers leur couleur, leur texture, leurs lignes, leur forme, la façon dont ils prennent Ia lumière … Peut-être votre propre manière de donner une nouvelle dimension à un sujet, selon votre sensibilité personnelle, sera-t-elle très différente de celle-ci ?
Allez, hop, composez, réglez, réinventez !

Defi 14-Arrière plan

À présent, plein cadre sur l’arrière-plan !

Vous savez, cette surface non négligeable que l’on oublie souvent, derrière notre sujet ? Ou encore cet élément que l’on omet d’exploiter lorsqu’on l’étouffe dans un Cadrage plein cadre somme toute assez  banal ? Faisons du décor •• Ia super star de nos images !

Stratégies. Ces quelques astuces toutes simples peuvent vous aider à redonner du galon à l’arrière-plan.

• Évitez d’étouffer le sujet dans un cadrage trop serré. Décadrez !
• Montrez-vous réceptif aux opportunités offertes par l’environnement. Traquez à Ia fois l’esthétique et l’intéressant pour une photo sublime ou racontant une histoire. Les deux ? C’est encore mieux !
• Essayez d’installer le sujet devant une zone unie
• l’arrière-plan peut être net ou flou tant qu’il est joli !
• Jouez avec des compositions décentrées montrant le sujet d’un côté et l’arrière-plan porteur de l’autre.
• Enfin, parfois, repérez un arrière-plan et cherchez ce que vous pourriez bien installer devant !

Comment choisir son arrière-plan ? Pour positionner votre sujet sur l’arrière-plan que vous aurez choisi, rien de plus simple, bougez dans l’espace ! Tournez autour du sujet, penchez-vous de différents côtés, accroupissez- vous afin de faire coulisser les plans entre eux et déplacer votre élément principal sur le fond. Vous ferez des mouvements amples en phase de recherche puis des micromouvements pour organiser finement les éléments et caler le sujet par rapport au fond avant de déclencher !

Inverser les rôles. En fait, l’idée consiste même, ici, à prendre là photo pour l’arrière-plan ! Associez-le à un petit sujet, mais qui ne prend pas toute là place, au sens propre comme au figuré. Le sujet doit constituer un point fort ponctuel et apporter un effet de profondeur mais prenez soin qu’il ne vole pas Ia vedette à votre sublime décor ! Amusons-nous, pour une fois, à inverser les rôles : laissons les choristes et musiciens faire le show !

En toute fin de journée, au mois d’octobre. une lumière rasante magnifique sublimait ces fougères séchées Sur ma première vue, cependant mon sujet se détachait mal sur un fond à Ia fois surchargé et de couleur semblable. C’est en m’accroupissant pour abaisser mon point de vue. que j’ai pu présenter mon sujet sur fond de ciel et d’arbres de teinte plus appropriée. Le cadrage. vertical, est bien plus dynamique et me permet de placer le sujet en contexte, et d’obtenir une photo plus colorée et plus porteuse avec plusieurs éléments dignes d’intérêt

Mini série

Ces trois derniers mois, nous avons abordé des thématiques photographiques variées et passionnantes !
Vous avez travaillé votre regard, votre réactivité, votre sens de la composition et votre réceptivité à la lumière. Je vous invite à présent à exploiter ce que vous avez découvert et développé lors des défis dans le cadre d’une « mini-série » (voir Focus en page précédente).

Méthode. Pour définir votre projet de série, il vous suffit de combiner deux des thématiques reprises ci-dessous ! Vous pouvez éventuellement y associer un sujet qui vous semblerait bien se prêter a l’approche correspondante. Par exemple, une mini-série        « Formes urbaines en contre-jour » constituerait une association des défis « Voir les formes » et « En contre-jour », projetée sur un environnement urbain. Si vous décidez, en plus, d’ajouter votre           « touche perso » du projet à travers une nouvelle précision (par exemple, « en noir et blanc » ou « de nuit »), veillez toutefois à ne pas trop complexifier les choses !

Des idées à la série. Il est généralement souhaitable de partir en prise de vue avec plusieurs idées de séries en tête. En effet, selon les conditions météo, l’humeur du moment et les sujets à portée de main, il est probable que certaines pistes ne puissent être développées …
Évitez, toutefois, de vous disperser ! Dès les premières images, suivez l’inspiration et concentrez-vous sur l’idée la plus porteuse ou la plus inspirante pour vous. Une fois la première série réalisée, vous pourrez toujours explorer une autre option si vous en avez le temps, dans le courant de la semaine.

Brainstorming. Vous trouverez ci-contre quelques suggestions de séries, pour inspiration. N’hésitez pas, cependant, à effectuer vos propres combinaisons et à explorer d’autres pistes !

Instants en marge [instant décisif – Compositions décentrées – Sujet : éléments mouvants en ville] instants décisifs saisis au grand-angle, en ville, dans le cadre de compositions nettement décentrées. Le sujet, dans un angle de l’image, dynamise et donne du sens à la photo. Ce peut être un passant, un cycliste, un motard, un animal domestique, un oiseau…

Abstractions urbaines [Voir les lignes – Voir les formes – Sujet : les surfaces urbaines]
Jeux de formes et de lignes saisis en ville. Gros plans de sols, de façades ou d’éléments urbains dans le cadre de compositions soignées. La série peut se focaliser, par exemple, sur les portes écaillées, ou encore le bitume et les marquages au sol, etc.

Dans la série présentée ci-contre, j’ai suivi l’approche « Abstractions urbaines » afin de mettre en valeur les azulejos portugais En jouant avec le graphisme des pierres et carreaux ainsi que celui des portes, fenêtres, câbles, j’ai essayé d’apporter une vision originale sur le sujet

Dans les yeux d’un teckel [Au ras des pâquerettes – Photographier à grande ouverture – Sujet : différents environnements naturels, urbains, familiers]
Prises de vue réalisées au grand-angle, au ras du sol dans différents types d’environnements. Variez les types de sols et les éléments présents au premier plan ! Cette série pourrait être constituée de photos nettes sur une grande profondeur ou, au contraire, montrant un flou de profondeur de champ marqué.

Rêveries végétales

[Le plus de flou – Compositions décentrées- Sujets floraux] Flous colorés saisis au jardin, dans la campagne ou devant un bouquet de fleurs. Photos présentant un petit élément net franchement décentré, perdu dans un océan de flou de profondeur de champ pictural

Portraits évocateurs [Association de sujets – Composition décentrée – éventuellement. À grande ouverture. Sujet  l’humain]

Association entre un visage et un autre élément – la main, un objet, une composante du décor – pour un portrait plus original et porteur. Faites se répondre les 2 sujets associés d’un angle à l’autre de l’image ! En cas de profondeur de champ limitée, le choix devra être fait entre mise au point sur le visage ou sur l’élément du décor, pour l’ensemble de la série.

Présences mystérieuses en ville [En contre-jour – L’instant décisif – Compositions décentrées – Sujet : l’humain en ville] Silhouettes de passants en contre-jour habitant des compositions urbaines. Jouez avec le contraste !

Graphisme domestique au carré [Voir les formes – Au format Carré – Sujets quotidiens] Cadrages coupés, au format carré, sur les formes géométriques composant notre environnement familier [plats, assiettes, tasses, etc.). Des compositions osées, graphiques, pour des images si possibles à la Mondrian !

Le jardin, aux beaux jours [Au ras des pâquerettes – En contrejour – Sujets végétaux] Prises de vue de fleurs ou massifs saisis du ras du sol, par jour de grand soleil, en contre-jour éblouissant. Surexposez ! Masquez plus ou moins le soleil avec un élément végétal pour varier les effets.

Produire une série

Réaliser une bonne image est déjà une grande Satisfaction pour le photographe. Avoir capté un instant, mis en valeur quelque chose, essayé d’exprimer une idée est très gratifiant !

Réaliser plusieurs photos que l’on peut présenter ensemble nous permet cependant d’aller encore plus loin dans notre démarche photographique. Ce qui peut sembler de la chance ou une approche encore peu affirmée, sur une image, prend une toute autre dimension dans le cadre d’une série ! Les différentes photos, associées, se renforcent l’une l’autre. Elles se complètent, elles en disent plus sur la personnalité du photographe !

Proposer une approche photographique

Qu’est-ce qui fait que l’on a affaire à une série, quel que soit le nombre d’images ?

Selon moi, un rapprochement de sujet [quelques photos de vos dernières vacances à la montagne ou de votre petite dernière, ou encore différentes vues de fruits et légumes] ne suffit pas.
Pour que le déclic se fasse, que « la mayonnaise prenne», il est nécessaire qu’une approche photographique définie fasse le lien entre les photos. Ainsi, « gigantisme montagneux en panoramique », « portraits floutés en noir et blanc » ou encore « abstractions colorées vitaminées » peuvent, eux, correspondre à des séries porteuses !

Avant de constituer une série, demandez-vous donc : de quelle manière aurais-je envie de mettre en valeur ce sujet ?

Quel paramètre photographique pourrais-Je exploiter pour le réinventer ? Quelle approche, quel rendu, quel type de cadrage, quel effet, quel format constituera un point commun entre mes images, un fil conducteur pour ma série?

À terme, vous finirez peut-être même par envisager une série qui ne sera à la merci d’aucun sujet ! Pourquoi ne pas travailler sur les « silhouettes en contre-jour » ou les « matières et textures cosmiques » en mêlant toutes sortes de sujets (humains. urbains. naturels. etc.) ?

Équilibrer cohérence et diversité

Ce qui fait la qualité d’une série, outre bien sûr le talent du photographe, c’est peut-être bien un équilibre justement dosé entre cohérence et diversité. Évidemment, les photos doivent aller ensemble, se rapprocher dans la démarche, montrer une ambiance commune …

Mais une série a également besoin d’une certaine diversité pour s’enrichir, se renouveler À quoi bon proposer toujours la même photo ! N’hésitez donc pas a faire varier les paramètres photographiques qui ne font pas partie de votre approche cohérente afin de pimenter votre série ! Diversifiez cadrages, compositions, échelle de prise de vue (plans larges, gros plans], angle de vue …

Encore une fois, c’est en trouvant la diversité au sein de votre cohérence que vous produirez une série qui raconte vraiment quelque chose et entretient l’attention du spectateur

Projets de mini-séries

Afin de vous aider à aborder progressivement le travail en série et à vous encourager dans cette démarche, je vous inviterai chaque trimestre à réaliser une mini-série de 3 à 5 photos à partir des défis que vous aurez relevés pendant cette période.

La démarche présentée dans l’ouvrage rendra tout cela très facile, vous verrez ! En effet, les paramètres photographiques à mettre en œuvre seront bien présents à votre esprit car vous aurez travaillé chacun d’entre eux pendant une semaine.

Savoir comment on souhaite interpréter notre environnement pour créer une série esthétique et intéressante n’est pas évident … Mais sélectionner vos approches préférées parmi les derniers défis relevés, les associer entre elles et les projeter, si vous le souhaitez, sur un sujet pour définir un projet de série vous rendra l’entreprise bien plus aisée !

Dans les pages « Mini-séries » de l’ouvrage, je dresse ainsi le bilan des mois écoulés et fais différentes suggestions de séries pour vous inspirer. À vous de suivre l’une d’entre elles ou encore d’inventer votre propre combinaison, un projet à votre idée !

Soyez sélectif : davantage de photos ne signifie pas forcément meilleure série, c’est pourquoi je vous propose de ne pas dépasser 5 photos. Si une photo ne s’associe pas bien avec les autres images [manque de cohérence) ou semble trop redondante avec une autre [manque de diversité], soyez sans pitié ne gardez que le meilleur et ce qui sert votre projet. Mieux vaut une bonne série de 3 images qu’une moins bonne de 5 ! Les photos rejetées peuvent être de merveilleuses prises que vous présenterez individuellement … Ou dans le cadre d’une nouvelle série !

Cette petite série a pour éléments de cohérence le sujet animalier mais aussi le choix du noir et blanc les cadrages intimistes très rapprochés et le travail sur le regard animal, bien souvent plein « d’humanité » (bien que ce que l’on prend pour les yeux des raies ne sont en fait que leurs narines !).

A raz des pâquerettes

Prêt pour quelques acrobaties ? Et pour cause, travailler son angle de vue s’avère parfois sportif ! Je vous lance  un défi « Au ras des : pâquerettes » ! Il s’agit cette fois de photographier au ras du sol a moins de 50 cm du « plancher des Vaches ». Considérez la photo comme réussie si la personne qui la visionne se prend soudainement pour une fourmi !

Grâce à cet angle de vue inhabituel je vous invite à mettre en valeur des sujets se trouvant au sol, près de vous, dans le cadre de prises de vue qui jouent aussi sur la profondeur Dans l’herbe, par exemple, vous aurez la possibilité de jouer à « Microcosmos » ou de transformer une pelouse de 15 cm de haut en une jungle insondable !

À quelle hauteur ? En prise de vue « au ras des pâquerettes », vous donnerez, c’est vrai, de l’importance au sol en vous rapprochant de lui. Cependant, le sol « s’écrasera », dans le même temps, au fur et à mesure que vous abaisserez votre point de vue, cela ayant tendance à le rendre moins présent ! À vous, donc, de trouver la juste hauteur pour votre photo. Posez l’appareil par terre, si vous le pouvez, pour certaines prises, et testez des angles de vue un peu moins radicaux : à 20 cm, 50 cm du sol, pour d’autres photos …

Focus. Il peut être intéressant d’associer des jeux de mise au point à ce thème. En optant pour une netteté sur l’arrière-plan, vous agrémenterez votre Paysage ou vue urbaine d’un premier plan flou en bas de l’image, comme sur la vue forestière ci-contre. Pour focaliser l’attention sur un sujet proche ou sur le sol lui-même, au contraire, faites la mise du point sur les pavés du premier plan, sur un coquillage, un champignon, une touffe d’herbe. etc. ; vous bénéficierez alors d’un bel environnement flou pour votre sujet.

Astuces de cadrage. Autre approche, en dirigeant votre appareil légèrement vers le haut afin de photographier en contre-plongée, vous obtiendrez des perspectives étonnantes et décuplerez le ressenti lilliputien, comme sur ma photo aux coquelicots !

Pensez à utiliser le cadrage à l’écran, même avec un reflex (mode Live view) pour abaisser le plus possible votre point de vue Sans trop vous casser le dos. Et, si votre appareil possède un écran orientable, n’oubliez pas de vous en servir !

J’espère que vous trouverez amusant de redécouvrir le monde depuis le point de vue d’une musaraigne. d’un teckel, ou même d’un enfant assis par terre. Mais n’oubliez pas de faire des étirements en rentrant !

Composition graphique au format carré.

Oubliez à présent le traditionnel format rectangulaire pour vous frotter … au carré ! Prendre des photos de largeur et hauteur égales, aux propriétés géométriques étonnantes, vous conduira à réaliser des images particulièrement : esthétiques et graphiques.

Considérations matérielles. Votre première préoccupation va sans doute être technique … Pouvez-vous déclencher au carré ? Vérifiez si votre appareil propose ou non la prise de vue a ce format [peut-être grâce a une mise a jour du firmware ?]. Si ce n’est pas le cas, fouillez vos placards à la recherche d’un petit compact oublié ou contrôlez la qualité d’image de votre éventuel Smartphone ; celui-ci vous offrira forcément cette opportunité.

Si vous ne pouvez pas photographier directement a ce format, envisagez un recadrage mais  attention réalisez toujours en plus de la photo qui vous semble bonne un cadrage légèrement plus large en guise de roue de secours.

Suggestions. Voici quelques propriétés du format carré et conseils pour bien l’exploiter En effet. grâce a sa régularité géométrique, photographier a ce format constitue une vraie initiation a Ia composition !

• Le carré est régulier et harmonieux. Ni vertical ni horizontal, il enveloppe votre sujet dans une sorte de cocon apaisant. .. Profitez de sa « zénitude » !
• Décentrer un sujet est encore plus facile au format carré : le sujet se positionne naturellement à égale distance, par exemple, du bord haut et du bord droit [comme les 2 oiseaux, ci-contre].
• La régularité du carré le rend propice aux compositions symétriques ou centrées. Lancez-vous, expérimentez, défiez les règles de composition !
• De même, les diagonales semblent être faites sur mesure pour le format carré inclinées parfaitement à 45°, elles vous permettront de réinventer vos sujets d’une manière étonnante !
• Et puis, là géométrie lui va tellement bien ! Formes, lignes, sujets aussi « bêtes » qu’un bout de sol, une plaque d’égout, un tuyau ou un morceau de tôle seront transfigurés par son homogénéité.
• Si vous intégrez l’humain à vos compositions, exploitez-le en tant qu’élément graphique. Jouez avec la verticalité d’une personne debout, l’angle créé par les jambes repliées lorsque l’on s’assoit, la direction des bras, des jambes … Utilisez le corps pour structurer vos images.

Sur le Web Si vous souhaitez creuser davantage ce sujet, je vous invite à lire cet article : http:/ /annelaurejacquart.com/le-format-carre-une-mine-dor-geometrique-et-photographique.

Graphiques et ludiques ! C’est, je crois, en vous tournant une nouvelle fois vers les lignes, les formes, les matières, que vous vous amuserez le plus avec le carré.

Abusez des lignes diagonales, des tracés qui viennent s’échouer juste dans un angle du cadre !. .. Amusez-vous avec les différentes manières d’inscrire un sujet carré dans un cadre carré, coupez le cadre en parties égales ou inégales avec votre sujet ou son contour … En bref, composez !

L’instant décisif réceptivité, réactivité !

Ni hésitation, ni questionnements superflus avec ce défi, entrainez-vous à voir et à déclencher dans la foulée !
Parviendrez-vous à saisir l’instant décisif ?

L’instant décisif est un concept fondamental très ancré dans notre pratique de la photographie. Cependant, savons-nous toujours, dans la lignée d’Henri Cartier-Bresson, saisir ces visions en suspens ? Et puis, l’instant décisif n’est-il pas surtout une question de hasard ? ..

Coups de chance ?  Alors, non ! Parvenir à Saisir au vol des instants formidables, ce n’est pas seulement du hasard. Cela n’en est même Sans doute pas du tout. Il s’agit simplement de développer une réceptivité accrue à votre environnement ainsi que vos Capacités d’anticipation. En travaillant cela, votre environnement semblera soudainement plein de coïncidences à saisir. d’instants parfaits à capter et d’anecdotes à raconter en image !

La Sherlock attitude… Allumez donc votre super radar ! Travaillez votre « vision périphérique » et votre flair … Traquez les indices ! Considérez à Ia fois les éléments qui vous plaisent dans votre environnement mais aussi le passant qui arrive sur votre droite, le pigeon posé sur Id cheminée s’apprêtant à s’envoler …

L’anticipation consiste ainsi à avoir davantage en tête les « potentialités » dont vous pourrez peut-être profiter : la présence du passant, le pigeon en vol, etc. … avec les réflexes de Lucky Luke ! Dernier ingrédient pour résoudre l’équation ? La réactivité bien sûr ! Afin d’être capable de dégainer dès que les choses s’organisent, gardez l’appareil en main et le doigt sur le déclencheur ! Dès que vous voyez quelque chose qui vous plaît, une posture, un regard, une concordance entre différents éléments, n’attendez pas : déclenchez ! Soyez plus spontané que perfectionniste pour la première prise (après tout. mieux vaut un pouce coupé, comme sur le portrait ci-contre, qu’une expression crispée !). Puis, dans les secondes qui suivent, essayez de parfaire votre composition ou vos réglages le plus rapidement possible pour enchaîner sur une ou plusieurs nouvelles prises. au cas où l’instant durerait encore un peu.

Côté réglages. ·Le mode P peut souvent faire l’affaire, pour les vues· en plan large. Sinon, prévoyez un préréglage standard qui vous permettra de saisir au mieux les scènes à immortaliser. Ces derniers temps, en ville, par une luminosité intermédiaire hivernale, je règle mon appareil sur une sensibilité de 400 lSO et me place en Priorité diaphragme (ou ouverture. mode A ou Av), l’objectif fermé à f/5 ou f/6. Alors, prêt à capter l’instant décisif ? Ayez confiance en vous ! Les réflexes, cela se travaille !

Voir les lignes

Cette semaine, c’est la ligne dans sa continuité qui va susciter toute notre attention … Créez des photos qui font la part belle aux lignes de toutes sortes
Exploitez-les pour structurer vos images, leur donner de la personnalité et guider le regard.

Qu’elles soient droites, courbes ou sinueuses, les lignes structurent et dynamisent nos photos. Elles correspondent tantôt à des limites entre zones de couleur ou de densité différente, tantôt à des éléments fins de notre environnement (poteaux. fils. arbres. etc.).

Quand nous utilisons des « lignes de démarcation » (premier cas), La photo est partagée en différentes surfaces, comme sur le Paysage de mer ci-contre, en bas à gauche. Il arrive alors que les surfaces (façon tangram ou yin yanq) prennent le pas sur le jeu de lignes mais qu’importe ! Les «sujets linéaires », eux, offrent légèreté et dynamique à nos images !

Variantes graphiques. Prenez le temps d’observer les lignes offertes par les sujets qui vous entourent. Comment sont-elles ? Comment allez-vous les installer et les orienter dans l’image ?

Parallèlement aux bords du cadre ? Traversant la photo en oblique ? La ligne devrait-elle plutôt longer le bord du Cadre ou traverser l’image ? Décidez selon la direction du sujet, l’esthétique recherchée et le dynamisme souhaité. Notez que les compositions obliques voire diagonales sont les plus énergiques, suivies par celles aux lignes verticales, tandis que les lignes horizontales génèrent des images plus posées, plus sereines voire monotones.

Travail d’orfèvre. Soignez vos compositions et faites preuve de précision si vous souhaitez que la ligne soit horizontale ou verticale, qu’elle le soit vraiment !
Appliquez-vous à la prise de vue et affinez à la retouche si nécessaire.

Soyez également attentif aux relations et aux contacts entre les lignes et le cadre : lorsqu’elles surgissent d’un angle de l’image, notamment, leur impact devient encore plus fort ! Sinon, vos lignes touchent-elles le cadre au milieu, au bord, au  tiers, au quart ? …

Tout en dynamique ! Affirmez votre approche graphique et faites de vos lignes le sujet principal de votre image ou, en tout cas, des éléments influençant vraiment l’impact de la photo. Cherchez comment les exploiter à  bon escient dans votre composition ou organisez l’image autour d’une ligne de force.